FINITOOOO!

30. Neo-Conceptual.

Arte Neo-conceptual describe las prácticas del arte que derivan de arte conceptual movimiento de los años 60's y de los 70's.

Muchas de las preocupaciones del movimiento del “arte conceptual” apropiado han sido tomadas por muchos artistas contemporáneos puesto que la onda inicial de artistas conceptuales. 

Mientras que muchos de estos artistas pueden no llamarse los “artistas conceptuales”, las ideas tales como anti-commodification, crítica social y/o política, y las ideas/información como medio continúan siendo aspectos del arte contemporáneo, especialmente entre los artistas que trabajan con arte de la instalación, arte del funcionamiento, net.art y electrónico/arte digital. 

Muchos críticos y artistas pueden hablar de los aspectos conceptuales de un trabajo dado del artista o de arte, reflejando la influencia que aguanta que muchos de los artistas conceptuales originales han tenido en el mundo del arte.

Stuckists' "Death of Conceptual Art"
coffin demonstration, 2002

John LeKay. Untitled, 1991,
 ladder and wheelchair

29. Apropiacionismo.

El apropiacionismo es la traducción, o mejor dicho, la copia, en el discurso del arte, del grado Xerox de la cultura, la copia, la copia de la copia, se convirtió en el procedimiento preferido de una serie de artistas de comienzos de la década de los ochenta que hacían de la puesta en escena de la simulación sumodus operandi, fractalidad de la propia teoría de la simulación, simulada, una y otra vez, por el arteapropiacionista.

Sin embargo, aunque el término y técnica se adquiere hasta entonces, ya muchos artistas, como Duchamp, Lichtenstein, Picasso y Dara Bimbaums habían hecho lo que ahora conocemos como Apropiacionismo.

Ejemplos de Apropiacionismo:

-Jeff Koons.

-Yasumasa Morimura.

-Barbara Kruger.

-El mismo Joseph Kosuth.

-Banksy.

-Damien Hirst.

-Joel Peter Witkin.

-Richard Prince.

                    Y muchos mas..

Damien Hirst

Damien Hirst

28. Arquitectura High-Tech.

Es la corriente arquitectónica que se apoya en la Alta Tecnología para expresar su imagen, utilizan a la tecnología como un fin en si, no para llegar a alguna parte. Es el afán por enseñar las estructuras, el acero, el concreto, vidrio y mostrarla como parte estética de la edificación.


Esta tendencia encuentra sus orígenes ideológicos en el movimiento moderno llevando al extremo las teorías y el estilo de éste. Esta arquitectura se apoya en los avances tecnológicos para denotar su imagen.


Esta nueva tendencia nos introduce más allá de la mera imagen. Nos introduce las variables de la ingeniería dentro del proceso de planeamiento y nos ha proyectado consideraciones estructurales en la iconografía arquitectónica.

27. Graffiti.

Grafiti (palabra plural tomada del italiano graffiti, graffire) o pintada a varias formas de inscripción o pintura, generalmente sobre mobiliario urbano. La Real Academia de la lengua española designa como "grafito" una pintada particular, y su plural correspondiente es "grafitos".

También se llama grafiti a las inscripciones que han quedado en paredes desde los tiempos del Imperio romano.

En el lenguaje común, el grafiti incluye lo que también se llama pintadas: el resultado de pintar en las paredes letreros, frecuentemente de contenido político o social, con o sin el permiso del dueño del inmueble, y el letrero o conjunto de letreros de dicho carácter que se han pintado en un lugar. También se llama grafito, por extensión, a los eslóganes que se han popularizado con estas técnicas; por ejemplo, los grafitos de los disturbios de mayo de 1968 en París: L'imagination au pouvoir (la imaginación al poder), o Sous les pavés il y a la plage (bajo los adoquines está la playa), etc. La expresión grafiti se usa también para referirse al movimiento artístico del mismo nombre, diferenciado de la pintura o como subcategoría de la misma, con su origen en el siglo XX. Fue un movimiento iniciado en los años 1960 en Nueva York, o, según aluden fuentes bibliográficas como getting from the underground, en Filadelfia.

El grafiti es uno de los cuatro elementos básicos de la cultura hip hop, donde se llama grafo o grafiti a un tipo específico. En este sentido, una pintada política no sería un grafito.

Grafito en Aalborg (Dinamarca), 2003

26. Fotorealismo.

El fotorealismo es la cualidad de una imagen generada por computadora que trata de imitar las imágenes generadas porcámaras fotográficas mediante complejos cálculos y algoritmos matemáticos que simulan los efectos/defectos que la luz (halos, destellos) las sombras (coloreado de sombras, difusión), las texturas (aspereza, brillo, reflejos, refracción) y la radiosidad(coloreado de la luz ambiente) producen en las imágenes resultantes.

Los principales algoritmos que se utilizan hoy en día son dos, basados en distintos métodos:

• Raytracing (trazado de rayos): Se basa en el muestreo de puntos, utilizando métodos estadísticos como los métodos deMontecarlo y Cuasi Montecarlo.
• Radiosidad: Utiliza métodos numéricos para aproximar en sucesivas iteraciones el cálculo de la radiancia en las superficies de la escena.

Imagen fotorrealista generada por computadora (render)
 mostrando una sala, modelada en 3D Studio Max.

                                

25. Arte Conceptual.

El arte conceptual, también conocido como idea art, es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte.

El arte conceptual se desarrolló a finales de la década de los sesenta e inicios de los ochenta del siglo XX. Los orígenes se encuentran en la obra de Marcel Duchamp, artista de origen francés que ya afirmaba que el concepto era más importante que el objeto artístico.

La característica principal de esta corriente es el predominio de los elementos conceptuales sobre los puramente formales. Así pues, elarte conceptual es una forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista. Para ello, esta disciplina artística se fija en los ambientes cromáticos, en los luminosos, y en las variaciones sobre la naturaleza.

¿Cuál es la ideología de este tipo de arte? El arte conceptual se define claramente opuesto a la burguesía y contrario al consumo, ya que se considera que la obra no es dueña de nadie.

Los artistas del arte conceptual se valen de métodos inusuales y diversos para presentar la idea de su obra. Eligen fotografías, vídeos, documentales escritos, grabaciones, presentaciones de actos en público… y muchos otros materiales efímeros que les sirven para documentar sus ideas o explicar eventos que ocurren fuera de los museos. Uno de los ejemplos tempranos del arte conceptual es “Una y tres sillas”, una creación de Joseph Kosuth, artista estadounidense que en 1965 crea una obra con una silla como protagonista central. La obra en cuestión consiste en una silla plegable de madera, una fotografía de una silla y una ampliación fotográfica de la definición de silla extraída del diccionario. Con ello este artista conceptual busca que el público conteste en cuál de los tres elementos se encuentra la identidad del objeto: ¿en la cosa misma, en la representación o en la descripción verbal? ¿Puede descubrirse la identidad de la silla en uno, en algunos, en todos, o en ninguno de ellos?

A finales de la década de 1980, el arte conceptual experimenta un fuerte resurgimiento, justo cuando la atención del mundo del arte de vanguardia se orienta hacia la obra basada en el tema y el contenido. No obstante, por su carácter efímero, el arte conceptual dejó pocas obras en los museos. Sólo quedaron las fotografías y las declaraciones impresas (libros, catálogos y folletos) sobre los proyectos.

Kazimir Malevich - 

Cuadrado Negro Sobre Fondo Blanco (1915)

Yves Klein - IKB 191 (1962)

Marcel Duchamp - L.H.O.O.Q (1919)

                                                                        

Piero Manzoni, producida en 1961, que se expusieron en la Gallería Pescetto, de Albisola Marina; se trata de una mordaz crítica del mercado del arte, donde tan sólo la firma de un artista con renombre produce incrementos irracionales en la cotización de la obra: consistía en noventa latas cilíndricas de metal de 5 cm de alto y un diámetro de 6,5 cm que contienen, según la etiqueta firmada por el autor: Mierda de artista. Contenido neto: 30 gramos. Conservada al natural. Producida y envasada en mayo de 1961. Este texto se encuentra descrito en el lateral de cada de ellas en diversos idiomas (inglés Artist`s Shit, francés :Merde d’artiste, italiano: Merda d’artista, y alemán: Künstlerscheiße). A su vez, la parte superior se encuentra numerada y firmada cada una de las latas.

Cada una de las cajitas se puso a la venta al valor corriente de 30 gramos de oro, y hoy en día adquieren valores con cuatro y cinco dígitos (en euros) en las pocas ocasiones que alguna de ellas sale a venta o subasta.

Pasados más de 30 años de la muerte del autor, continua la polémica acerca del contenido (heces u otros material como el yeso) de las famosas latas.

                                                    

Aun que usted no lo crea! Parece que es broma pero es cierto! Ya se que ASCO aunque sea de tu amor platónico jamas pagaría ni 1 centavo, que ASCOOOO! EEWWW!

24. Hiperrealismo

Conocido también como realismo fotográfico o realismo radical, el Hiperrealismo es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. El Hiperrealismo pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes. 

Nacido en la West-Coast de los Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX, el hiperrealismo se promovió en Europa por la V Documenta (1972) de Kassel y fue confirmado por la exposición que Uldo Kulterman presentó en París bajo ese nombre. 

Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía. 

En USA, donde el pop art había arelado profundamente, el hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. En esta línea encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que constituye la esencia del hiperrealismo americano. Check y Don Eddy nos ofrecen en sus imágenes aquellos aspectos aburridos característicos de la civilización de masas con la misma objetividad de una cámara fotográfica que funciona mecánicamente. De hecho, transfieren a la plástica vivencias adquiridas en la cultura de la imagen.

En Europa, en cambio, el hiperrealismo no suele tener connotaciones del pop art y se impregna de un lirismo casi surrealista. La obra de Antonio López es el exponente más genial de esta versión del hiperrealismo.

Ron Mueck, y sus reproducciones escultóricas así como Steve Mills con sus cuadros que parecen fotografías pero no lo son!

23. Land Art

Land Art es una tendencia del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.). Esta expresión inglesa se ha traducido también como «arte de la construcción del paisaje» o «arte terrestre». Generalmente, las obras se encuentran en el exterior, expuestas a los elementos, y sometidas a la erosión natural; así pues, algunas desaparecieron, quedando de ellas sólo el recuerdo fotográfico. Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del Oeste estadounidese a finales de los años sesenta. Las obras más imponentes, realizadas con equipamientos de construcción como excavadoras, se llaman earthworks, palabra que puede traducirse como excavaciones, aterramientos o desmontes). 


En la década de los setenta del siglo XX hubo varios artistas, en especial norteamericanos y europeos, que comenzaron a elaborar obras de arte a partir del medio natural. A esta corriente artística contemporánea se le llama LAND ART o Earth Art porque sus creaciones usan el paisaje como soporte/escenario o materia prima de la obra. Su principio fundamental es alterar, con un sentido artístico, la superficie de la Tierra. Muchas de estas obras tienen proporciones monumentales y la mayoría se realizan y ubican en sitios remotos, lejos de la mirada del espectador: en la ribera de un lago, en un escarpado paisaje rocoso, en una isla, en un campo abierto al pie de las montañas, en el bosque. 

Christo & Jeanne-Claude, Eduardo Sanguinetti (precursor en América Latina), Robert Morris, Dennis Oppenheim (el artista de la nieve) y Walter De María, entre otros.

22. Body Art

Body Art es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran relevancia en los años 1960 en Europa y, en especial, en Estados Unidos.

Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce... el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o videográfica posterior.

Yves Klein, Bruce Nauman, Vito Acconci, Youri Messen-Jaschin tuvieron su fase en este movimiento.