21. Figurativismo Britanico.

Arte que representa la realidad de forma fiel o semejante, al contrario que el abstracto:sus paisajes casi fotográficos son un ejemplo de figurativismo.


Se refleja la situación de UK y del resto de Europa después de la 2da Guerra Mundial, son obras muy crudas con un realismo distorsionado.


Los artistas más importantes del movimiento son Francis Bacon y Lucian Freud (nieto de Freud).

Autorretrato, 1971. Francis Bacon.

Mujer Desnuda. Lucian Freud.

20. Pop Art

Es un movimiento que subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática. Los objetos industriales, los carteles, los embalajes y las imágenes son los elementos de los que se sirve.

    

Es un arte eminentemente ciudadano, nacido en las grandes urbes, y ajeno por completo a la Naturaleza. Utiliza las imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo.

Andy Warhol en su Filosofía de B a A y de A a B, recoge muchas de las ideas que subyacen en su concepto de lo "pop". En el Pop-Art, la belleza es susceptible de ser encontrada en cualquier objeto de consumo. Se aceptan desde los materiales nobles hasta los plásticos, papeles, cartones, latas y botellas de coca-cola.

Entre otros artistas, Andy Warhol y Roy Lichtenstein son de los más representativos. 

Obras representativas:

R. Lichtenstein, El beso.

R. Lichtenstein, El crack.

A. Warhol, Elvis, 1964.

A. Warhol, Marilyn.

                                           

                                         

                                        

19. Op-Art

Op-art es la abreviatura de "Optical-Art", se empleó por primera vez en 1964 en la revista Times. Se ha cuestionado si el arte óptico debe considerarse incluido en el ámbito del arte cinético.


Caracteristicas generales:

• Es una evolución matemática del arte abstracto.
• Se usa la repetición de las formas simples.
• Los colores crean efectos vibrantes.
• Gran efecto de profundidad.
• Confusión entre fondo y primer plano.
• Hábil uso de las luces y las sombras.
• El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve.
• Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo.
• En la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retrotaen.

Representantes del Op-Art:

• Víctor Vasarely
• Jesús Rafael Soto
• Bridget Riley
• Kenneth Noland
• Lawrence Poons

18. Arte Cinetico.

El arte cinético es una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo.

El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. Está principalmente representado en el campo de la escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras. Pictóricamente, el arte cinético también se puede basar en las ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en la imposibilidad de nuestro ojo de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas, violentamente contrastadas. Op Art. Las primeras manifestaciones de arte cinético se dan en los años 1910, en el movimiento futurista y en ciertas obras deMarcel Duchamp. Más adelante, Alexander Calder inventa el móvil, un tipo de escultura formada por alambre y pequeñas piezas de metal suspendidas que son movidas ligeramente por el desplazamiento del aire ambiente. La expresión arte cinético es adoptada hacia 1954, para designar las obras de arte puestas en movimiento por el viento, los espectadores y/o un mecanismo motorizado.

El arte cinético fue una corriente muy en boga desde la mitad de los 60 hasta mediados de los 70.

17. Minimalismo.

El término minimalista, en su ámbito más general, se refiere a cualquier cosa que haya sido reducida a lo esencial, despojada de elementos sobrantes. Es una traducción transliteral del inglés minimalist, que significa minimista, o sea, que utiliza lo mínimo (minimal en inglés). Es la tendencia a reducir a lo esencial. Se aplica también a los grupos o individuos que practican el ascetismo y que reducen sus pertenencias físicas y necesidades al mínimo, es también el significado a simplificar todo a lo mínimo. Este significado queda más claro si se explica que minimalismo en realidad quiere decir minimismo. El término «minimal» fue utilizado por primera vez por el filósofo británico Richard Wollheim en 1965, para referirse a las pinturas de Ad Reinhardt y a otros objetos de muy alto contenido intelectual pero de bajo contenido formal o de manufactura, como los «ready-made» de Marcel Duchamp o instalándose en la totalidad conceptual, estética y sonora de la acción performativa tal el caso del artista y filósofo argentino Eduardo Sanguinetti quien aplica en rigor la tendencia a reducir al mínimo la expresión en sus acciones musicales, escritas o visuales, definiendo al minimalismo como "lo máximo en lo mínimo".

Características:

• Abstracción
• Economía de lenguaje y medios
• Producción y estandarización industrial
• Uso literal de los materiales
• Austeridad con ausencia de ornamentos
• Purismo estructural y funcional
• Orden
• Geometría elemental rectilínea
• Precisión en los acabados
• Reducción y síntesis
• Sencillez
• Concentración
• Protagonismo de las fachadas
• Desmaterialización

Escultura y pintura minimalista:

El minimalismo se desarrolló en el campo de la escultura cuyos representantes principales son: Donald Judd, Sol LeWitt, Carl Andre, Dan Flavin y Robert Morris. La pintura minimalista tiene influencias del Constructivismo y sobre todo del planteamiento reduccionista de Ad Reinhardt. Algunos pintores son: Robert Ryman, Robert Mangold, Agnes Martin y Eduardo Sanguinetti.

     

16. CoBrA

El Grupo «Cobra» o CoBrA es un movimiento artístico fundado en 1948 y disuelto en 1951, debido a las disensiones y rivalidades internas y por la mala salud de dos de sus componentes: Jorn y Dotremont. El nombre es el acrónimo de «Copenhague, Bruselas, Ámsterdam», ciudades de origen de los fundadores del movimiento. El movimiento editó 10 números de su propia revista llamada también CoBrA.

Formaron parte del grupo «Cobra»: Christian Dotremont, Jacques Calonne, Joseph Noiret, Asger Jorn, Else Alfelt, Karel Appel, Mogens Balle, Ejler Bille, Eugène Brands, Hugo Claus,Constant, Corneille, Pierre Alechinsky, Jan Nieuwenhuys, Lucebert, Pol Bury, Georges Collignon, William Gear, Stephen Gilbert, Svavar Gudnason, Reinhoud d'Haese, Henry Heerup,Egill Jacobsen, Carl-Henning Pedersen, Erik Thommesen, Jacques Doucet y Jean-Michel Atlan. El arquitecto neerlandés Aldo van Eyck fue escenógrafo de las más importantes exposiciones del grupo. El movimiento asimismo incorporó miembros de países como Islandia, Alemania y Francia.

El grupo sirvió como plataforma para el lanzamiento individual de sus miembros. Christian Dotremont, secretario general del movimiento serviría desde la disolución como enlace entre los demás miembros. Sus ideas influenciaron la Internacional Situacionista.

De manera similar a Jean Dubuffet, veían en el arte primitivo de niños y enfermos mentales el ejemplo de arte libre y original frente a las obras clásicas de historia del arte. Otras referencias del grupo son el folclore nórdico, el expresionismo o al automatismo surrealista. Emanados del surrealismo (y por ende muy ligados al movimiento comunista), los miembros de CoBrA rompen con el comunismo por preferir frente a este último el realismo socialista.

Entre sus características se encuentran inicialmente una reacción contra la rigidez de la abstracción geométrica en boga en la década de los 40. También una preferencia por la espontaneidad y el rechazo de teorías preestablecidas, un primitivismo y violencia deliberados. Son artistas que cultivan varias disciplinas, como poesía, música o pintura.

              

15. Abstracionismo.

Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándo formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real. El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados delsiglo XIX, sometido a la lógica de la perspectiva y a un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. El arte de culturas distintas a la Europea se hicieron accesibles y mostraban formas alternativas de describir experiencias visuales a los artistas. A finales del siglo XIX muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que asumiría los cambios fundamentales que se estaban produciendo en tecnología, ciencias y filosofía. Las fuentes de las que los artistas individuales tomaban sus argumentos teóricos eran diversas, y reflejaban las preocupaciones intelectuales y sociales en todas las áreas de la cultura occidental de aquella época.